Bas les masques.

La Grande faucheuse n’a pas encore terminé sa moisson. Elle n’a pas son comptant d’âmes. Le mal court toujours. Pourtant les Hommes ont déjà inventé leurs héros. Les derniers de corvée, ceux qui mettent les mains dans le cambouis, qui risquent leur vie pour que fonctionne l’inhumaine machine, sont reconnus et l’objet de toutes les louanges (pour l’augmentation de salaire, les conditions de travail, la promotion, prière de consulter le DRH). Dans cette innombrable cohorte, un groupe sort du lot et recueille tous les suffrages : les « soignants ». Parmi eux, une figure émerge : l’infirmière.

L’infirmière, qui autre temps, autres mœurs, a perdu sa charge érotique a gagné en empathie. C’est elle qui entretient avec le patient le rapport le plus intime, celle qui administre les soins et prend soin du corps. Derrière cette figure féminine, derrière le masque, nous reconnaissons celle de la mater dolorosa. Vierge des douleurs. Celle qui intercède entre le monde souffrant des Hommes et son divin fils. Comme le caducée était associé chez les Grecs de l’antiquité à Hermès, le masque est associé à l’infirmière.

Ainsi, par contiguïté dirons-nous, le masque en quelques mois, dans le monde entier est devenu le symbole de la pandémie.

Alors, qu’y a-t-il derrière le masque ?

D’abord son lien avec la figure centrale d’une nouvelle mythologie, l’infirmière, mais également avec les « soignants ». Tous ne portent pas un stéthoscope autour du cou, mais tous portent un masque. Le masque n’est pas porté pour masquer, c’est le comble pour un masque, mais bien plutôt pour protéger. Protéger le patient du malade et le malade du soignant qui, même sans symptôme, peut être porteur du virus. Corollaire de cette assertion, tout le monde peut contaminer tout le monde. Conséquences dont la logique n’échappe à personne : je ne rencontre personne ou je porte un masque, barrière absolue contre le virus.

Ainsi, à l’ennui du confinement succède la peur du déconfinement et la généralisation au niveau universel du port du masque.

Pourtant les modalités de la transmission du virus sont encore mal connues. Une quasi-unanimité des chercheurs identifie les projections émises par la parole. D’autres soutiennent que la transmission peut se faire par contact du virus avec les yeux. D’autres encore, que nos micro-postillons restent en suspension dans l’air pendant de longues minutes. D’autres enfin, que nos postillons honnis déposent du matériel génétique sur des surfaces que nous touchons.

Ces considérations scientifiques n’expliquent qu’en partie le rôle que joue le masque dans notre société. Je remarque que les contraintes liées au port du masque sont bien peu respectées. Certains portent leur masque et l’enlèvent pour discuter. D’autres le portent toute la journée alors qu’ils sont seuls sur une plage bretonne ou sur un sentier de randonnée, en vélo, à moto (sous le casque !). Combien de conducteurs le gardent pour conduire seuls leur voiture ! Tout ça pour dire que les bienfaits du masque sont certes médicaux mais aussi et surtout psychologiques. Le port du masque est davantage une réassurance qu’une efficace protection (il faudrait pour cela que les contraintes soient strictement respectées, ce qui est loin d’être le cas !).

En fait, en associant le port du masque aux gestes barrière, on crée un imaginaire du masque, barrière radicale contre la transmission du virus. L’image de la barrière est d’une telle force qu’elle a une fonction déterminante dans la diffusion du masque. Les marchands ont bien compris que le masque est aujourd’hui présent dans nos sociétés et qu’il le sera plus encore demain. Vuitton a senti le filon et vend un masque griffé du fameux monogramme. La pandémie passée restera le masque, accessoire de mode. On le portera contre les miasmes en général qui polluent l’air que l’on respire, pour affirmer son statut social en portant un masque siglé, pour protéger son anonymat. Il sera fabriqué avec des matériaux techniques et précieux. Il sera adapté aux circonstances : pour le sport, pour les transports en commun et le bureau, pour les soirées.

Le street art cristallise « l’air du temps » et fige en images puissantes ses figures. De nombreux artistes se sont amusés en affublant des représentations iconiques de masques ; tous y sont passés, de la Joconde, à la jeune fille à la perle de Banksy à Bristol. L’association du masque à l’image de l’infirmière est une garantie de diffusion mondialisée. Les modèles et les figures via les réseaux sociaux et Internet sont mondialisés. Le masque qui était porté par les habitants de certains pays survivra au Covid-19. Il s’intégrera au vêtement comme un accessoire qui signera notre identité sociale. Attaché au monde du soin, il est déjà devenu un objet de commerce voire de rapports géostratégiques.  


Madame confinée.

Dans quelques jours s’achèvera en France la période de confinement et commencera une nouvelle période dite de déconfinement, ce qui est une litote pour ne pas dire une sensible réduction des contraintes. Un moment historique à n’en pas douter qui laissera des traces ; douleur des morts par milliers, souffrance de ceux qui n’ont ni feu ni lieu, trace dans nos mémoires de ce printemps maudit.

Le temps n’est pas encore au bilan. Par contre, il n’est inutile de faire un point d’étape. Sans rue, le street art s’est confiné et quelques artistes nous ont donné à voir de bien belles œuvres peintes à l’atelier. Des artistes nous ont accompagné dans la traversée de ce désert culturel. Certains comme Philippe Hérard ont peint une œuvre par jour réalisant ainsi un journal ; d’autres nous ont aidés à « tuer le temps » en diffusant sur les réseaux sociaux des coloriages, des puzzles, des jeux de l’oie etc. Hopare, Kal Déa, Jibé, et d’autres, nous ont invité à faire « à la manière de ». Madame est allée plus loin encore en nous offrant à la fois des œuvres de confinement et des collages à faire chez soi. Cette louable initiative mérite bien un commentaire…et quelques remerciements !

Parlons donc de Madame. Non pas Madame de, œuvre de Louise de Vilmorin et film de Marcel Ophüls mais Madame sans particule, mais particulière à n’en pas douter. Madame, il y a des siècles de cela, avait une moustache. La moustache de Madame Moustache est tombée (peut-être sous le nez de Kashink ?) et Madame est restée. Madame est une collagiste. Ne cherchez pas le mot dans le dictionnaire, il n’y est pas (pour l’instant !). Néologisme qui désigne une artiste qui pratique le collage. Voilà plusieurs années, j’avais consacré un billet [1]à cette artiste, intéressé par l’originalité de ses œuvres. En effet, sur des supports aux dimensions variables, de petits formats à des fresques de plusieurs dizaines de mètres carrés, elle associe collage et lettrage. J’aime le jeu intellectuel d’une nouvelle image créée par le rapprochement d’autres images. Une illustration faite de reproductions d’illustrations. Une déclinaison de l’art d’utiliser les restes ! Les œuvres sont savamment composées et nul doute qu’un des objectifs de l’artiste est la recherche esthétique. Un des objectifs mais certainement pas le premier. En effet, à la beauté formelle s’ajoute la saveur dirais-je du rapport entre les mots et leur illustration. Leur conjugaison évoque pour moi les images pieuses qui étaient comme autant de signets dans mon missel et les aphorismes illustrés qui à la fin du 19e siècle et au début du 20e ont participé à la formation morale et civique de nos aïeuls.


[1] https://www.entreleslignes.be/le-cercle/richard-tassart/madame-collages-et-autres-objets-d%E2%80%99art

Les phrases de Madame n’ont pas vocation à participer à notre formation religieuse et morale. Mais la présence de ces référents dans notre bibliothèque d’images et leur comparaison avec les œuvres de Madame est un clin d’œil, une source de plaisir d’esthète.

Madame ne se donne pas la périlleuse mission de l’édification spirituelle de ses contemporains, ses œuvres créent l’émotion, une émotion esthétique et le plaisir. Elle s’amuse à prendre les expressions au pied de la lettre, à en créer d’autres, à jouer avec et sur les mots et la diversité de leurs sens. Les images qu’elle crée en collant des éléments empruntés à des gravures anciennes, en donnant un aspect vintage, sont véritablement des illustrations, c’est-à-dire des images redondantes par rapport au texte. Leur caractère insolite, surréaliste, improbable, participe de l’humour discret mais toujours présent.

Somme toute, les collages de Madame sont de petits trésors ; des trésors d’intelligence, de beauté formelle et d’humour décalé.

En ces temps confinés, Madame nous donne à voir des collages qui traduisent nos communes émotions : la privation de nos libertés, l’ennui et leurs conséquences, le désir d’évasion, la nostalgie du paradis perdu qui se réduit modestement au regret de ne pouvoir aller boire un demi sur le zinc de son rade !

Madame ne tient pas un journal au jour le jour, ces œuvres « confinées » ne sont pas un carnet de bord. Elles disent ce que nous avons ressenti. Elles nous associent à ses émotions et à ses rêves. Elles sont douces et sensibles, tristes bien sûr.

Madame partage ses heurs et malheurs et, généreuse, nous propose de faire à sa manière. De faire du Madame, car ses collages ont une véritable identité plastique. Pour cela, elle nous donne tout le matos, les reproductions anciennes, un alphabet pour écrire des phrases. Un merveilleux bric-à-brac pour créer des œuvres d’art.


Théo Haggaï, témoin de la catastrophe qui s’annonce.

C’est bizarre ce besoin qu’ont ceux qui nous dirigent de vouloir à tout prix nous rassurer. Les experts se gardent bien de parler de pic de l’épidémie, alors ils préfèrent le mot « plateau », et même de « plateau haut ». Le susdit haut plateau risque de devenir une morne plaine ! Le masque devient à son corps défendant un objet magique chargé de repousser tel le crucifix les démons le coronavirus malin.

Confrontés à la mort qui nous frôle de ses ailes noires de corbeaux, les « sachants » comprennent au fil des jours qu’ils ne savent pas tout. Quid de l’origine du virus, pas de médicament spécifique, pas de vaccin avant longtemps, comment le virus se propage-t-il, le changement de saison aura-il une incidence sur sa diffusion etc. Bref, nos savoirs évoluent et rien n’est certain. Sauf qu’il y aura un après. Mais lequel ? Ce que les historiens savent c’est que la crise du coronavirus est un événement aussi important que la première guerre mondiale, la crise de 29, la seconde guerre mondiale, la chute du Mur de Berlin. C’est un choc mondial, une rupture, qui ouvre tous les possibles.

Reste tapie au plus profond de nos circonvolutions cérébrales, la peur. Peur archaïque de la mort, peur de la destruction de la nature par les Hommes, peur de la réduction de la biodiversité, peur du réchauffement climatique etc. Si la Peur de l’an 1000 n’a pas existé, la pandémie qui a partie liée avec nos peurs modernes les exacerbe.

Cette peur fondamentale qui s’alimente de l’actualité et de notre incapacité à nous projeter dans le futur résonne en chacun de nous, plus ou moins. Les artistes sont inscrits dans le siècle et à ce titre partage nos peurs. C’est en particulier le cas d’un jeune artiste, présenté comme un « artiste émergent », qui voilà quelque temps a retenu mon attention. Il s’appelle Théo Haggaï et ses œuvres, me semble-t-il, traduisent avec beaucoup de force les peurs des Hommes de sa génération.

Parisien mais confiné, c’est par Internet que je l’ai interrogé sur son travail et ses influences. Dans sa réponse Théo donne des clés pour saisir son projet artistique ; « A travers mes dessins, je fais des constats assez généraux sur l’état de la planète et le rapport que l’humain entretient avec elle. C’est catastrophique ! Alors je l’illustre. Peut-être que je parle de moi à travers tout ça mais ce n’est absolument pas l’objectif premier. Après, mes inquiétudes et mes peurs sont certainement visibles mais j’imagine que c’est logique et normal, l’artiste crée et on met tous du sien dans nos créations. »

A vrai dire, ce ne sont pas les constats de Théo qui sont au centre de ma réflexion. Cela ne veut pas dire que ces constats sont roupie de sansonnet et balivernes mais, cernant les limites de ma compétence, je me garderais bien d’avoir un avis sur des sujets que bien peu de chercheurs maîtrisent. Plus prosaïquement c’est la traduction graphique des idées de Théo Haggaï qui m’intéresse dans ce billet.

Dans le corpus des dessins étudiés, des constantes : l’emploi de marqueurs, l’utilisation quasi exclusive du noir et blanc, la fréquence du format A4 des œuvres. Quant aux « constats » de Théo des occurrences fortes : l’écologie au sens large, le réchauffement climatique mais aussi le drame de l’immigration et la solidarité. A ce propos, notons l’extrême fréquence du dessin des « mains serrées ». Ce dessin qui en premier lieu renvoie aux valeurs d’amitié, d’entraide, de solidarité, est devenu un marqueur identitaire de l’artiste, tout autant que son personnage, le rêveur.

Venons-en à ce personnage. Dans les scènes qu’il dessine Théo met en scène un personnage, parfois répliqué, personnage qu’il nomme « le rêveur ». Dans notre entretien, il en parle en ces termes : « J’utilise des silhouettes humaines qui sont des rêveurs, pleins d’espoir ou complètement désabusés par le monde dans lequel ils vivent. » Le recours à des « silhouettes » fait l’économie d’identifier le genre, homme ou femme qu’importe, les traits distinctifs comme l’origine sociale, ethnique, la couleur de la peau etc. Ils ont également un effet miroir : les regardeurs peuvent s’y reconnaître.

Bien pratique ces rêveurs somme toute, mais source de confusion aussi.  A n’en pas douter les rêveurs de Théo sont les descendants tardifs de Keith Haring si l’on s’en tient à la forme. Leur forme se résume aux contours de leur corps. Théo Haggaï « récupère » certes le bonhomme d’Haring mais le rêveur de Théo est animé de valeurs en partie différentes. Haring, dans son œuvre, se situe par rapport aux préoccupations de son époque, le racisme, l’apartheid, l’homophobie, la discrimination, les dangers du nucléaire etc.

Théo Haggaï, de la même manière, dans ses dessins, défend une conception du monde et de la société et prône des valeurs. Entre Haring et Haggaï une partie de ces valeurs est commune, une partie seulement, pour la raison évidente que les périodes sont différentes. Il est patent que certaines compositions sont voisines. Voisines, cousines, sœurs, et Théo reconnaît bien volontiers qu’il est un des héritiers de Keith Haring. Dans le même temps, le continuateur veut affirmer son identité en s’écartant du modèle. L’artiste qui veut tracer sa route, qui craint le plagiat, va jusqu’à refuser de feuilleter des livres d’art présentant des œuvres de ses maîtres, Haring certes, mais aussi Basquiat, Miro, Picasso.

D’Haring restent la silhouette et la composition de certaines œuvres au demeurant peu nombreuses.

Après avoir défini ce que n’est pas l’œuvre de Théo Haggaï, tâchons de cerner ce qu’elle est. J’y vois deux pôles. Le premier est constitué par des dessins sur des petits formats au marqueur. Ces œuvres privilégient le message. A telle enseigne qu’elles sont épurées de la représentation d’éléments qui ne seraient pas nécessaire à la compréhension du message.

Elles figurent des scènes, je dirais mieux, des séquences narratives. Le fait est que Théo avant de dessiner synthétise son idée en élaborant un court récit. Dans un deuxième temps, son crayonné qui ne se contente pas d’installer dans l’espace de la feuille A4 les éléments principaux, est un dessin quasi achevé au crayon. Dans un troisième temps, Théo encre son dessin avec une infinie patience.

Le second pôle est formé par des dessins et des fresques qui, à l’opposé des dessins « politiques », accumulent les motifs jouant sur l’accumulation des objets. Là, la beauté de la forme, prime sur le message, sans en être totalement absent.

Entre ces deux pôles, une tension entre l’essentiel et le superfétatoire, entre le dénuement et l’âpreté du message et la tentation esthétisante.

Cette tension est, à mon sens, ce qui caractérise le mieux ce qu’il convient d’appeler le « style » de Théo Haggaï. Il n’est jamais plus original que lorsqu’il parvient à mêler la force du message et la surabondance des motifs.

Théo Haggaï est, pour l’heure, un dessinateur. Ses œuvres au graphisme raffiné explorent le plan, ignorant la profondeur et la lumière. La fermeté de son trait, amplifié par le recours au dessin noir sur fond blanc, confère aux scènes dessinées une dimension dramatique qui séduit. Il témoigne à sa manière de son époque au travers le prisme, certes déformant, de ses engagements.


Co VIDE. 5 espaces cachés de José Manuel Ballester.

Cinquième semaine de confinement. La Grande faucheuse qui marque le pas en Europe continue de s’étendre dans plus de 200 pays. Déjà plus de 120 000 morts. A l’horizon de quelques semaines, on voit poindre le déconfinement et aussi un monde qui ne sera plus jamais comme avant. Peur, mort, ennui, espoir se mêlent. Les artistes dans leurs œuvres rendent compte du monde tel qu’il va. Et il va mal.

Dans les milliers de publications diffusées sur les réseaux sociaux, depuis le début du confinement, je me suis intéressé à la traduction de la mort dans les œuvres d’« art confiné ».

Mon premier étonnement a été la retenue des artistes. Paradoxalement, les nombreux attributs de la mort qui sont d’ordinaire un thème récurrent du graffiti, ont disparu. Les skulls, les squelettes, les cadavres décomposés, les corbeaux, les morts-vivants, les nuits sans lune etc. sont légion, dans certaines cultures plastiques plus que dans d’autres. Pourtant, les images de nos téléviseurs tous les jours, parfois à jet continu, nous montrent des malades dans le coma reliés par des tuyaux à des machines, des fosses communes dans lesquelles on empile les cercueils, des morts jonchant les rues, des familles endeuillées qui crient leur douleur, des enterrements sans les rituels attachés à la mort d’un être cher. Bref, les images sont effroyables et provoquent l’effroi.

Les artistes, consciemment ou inconsciemment, ont occulté ces images mettant en avant la conséquence de la mort, l’absence.

J’en fournirai un exemple, atypique mais édifiant. Le peintre espagnol José Manuel Ballester recrée des tableaux célèbres en en enlevant les personnages. Leur publication pendant la crise du Coronavirus prend un sens particulier.  Les Hommes absents du monde, le monde est vide.

J’ai choisi 5 des tableaux de la série « Espaces cachés » de Ballester. Ils représentent des œuvres emblématiques de grands noms de la peinture classique : Vélasquez, Goya, Léonard de Vinci, Botticelli, Vermeer. L’artiste a supprimé toutes les représentations des Hommes (y compris les reflets dans les miroirs !). Reste le décor.

L’émotion est vive à voir ces œuvres « immortelles » appartenant sans conteste au patrimoine culturel de l’humanité, vides, sans les Hommes, au sens littéral, sans humanité.

Entre les personnages et les relations avec le décor. Je veux dire par là qu’il est bien difficile d’isoler Vénus de sa coquille ou Diego Vélasquez qui peint les Ménines de l’énigmatique grande pièce du palais du roi Philippe IV. La séparation des personnages du décor introduit un mystère, où sont les personnages. À la lumière du contexte actuel, nous induisons qu’ils sont morts.  Sans eux, le monde n’a pas de sens et que le plus important, sans que nous en prenions toujours conscience, ce sont les Hommes.

Dans ces quelques images, il y a un discours sur la disparition de l’humanité et également sur l’art. Sans personnages, les tableaux n’ont guère de signification. Ce sont bien les personnages qui sont les sujets des œuvres, qui leur confèrent un sens. Le décor est à ranger au rang des accessoires. Il reprend son sens premier de « parure et d’ornement » ; il met en valeur le sujet.Et le sujet c’est l’humain.

José Manuel Ballester a peint ces tableaux entre 2007 et 2010 et son projet artistique n’était pas lié à un contexte particulier. Vues aujourd’hui, les œuvres se chargent d’une signification particulière et semblent illustrer une période marquée par la mort et la disparition. Un exemple explicite de l’idée selon laquelle la signification des œuvres dépend du temps du regardeur.


Covid-19 et mythologies.

Le street art, vu des réseaux sociaux, continue sa métamorphose. Les contenus suivent les mesures de confinement. Déconfinement en Chine, confinement dans de nombreux pays. L’heure est à une transition qui sera plus ou moins longue, directement indexée sur les pics de la pandémie et les étapes vers le déconfinement. La nature ayant horreur du vide, les tuyaux que sont les réseaux sociaux sont remplis de contenus divers et variés. Réédition d’œuvres peintes avant le confinement, jeux destinés à tuer le temps, œuvres d’ «art confiné », créées à l’atelier. Ces œuvres sont intéressantes de plusieurs points de vue : certaines sont des regards introspectifs sur la condition d’un street artiste interdit de sortir, d’autres des œuvres personnelles s’égrenant au fil des jours toujours recommencés comme les perles d’un chapelet. Bien sûr, directement ou indirectement, elles témoignent du drame que nous traversons.

Allissand.

En Europe mais également ailleurs dans notre village planétaire confiné, un objet change de statut et devient une icône qui symbolise la crise : le masque chirurgical. D’autres périodes de notre histoire nationale sont symbolisées par des objets : bonnet phrygien de la Révolution de 1789 ou pavé de Mai 68. Tout laisse penser que le masque restera associé au Covid-19.

À partir du masque, différentes problématiques sont développées. L’amour, toujours l’amour ! Le masque portés par les amoureux est ce qui autorise le rapprochement, le baiser, l’étreinte, et ce qui sépare pour protéger. Le masque est ainsi un viatique qui protège de la maladie et de la mort. Éros et thanatos réunis dans une même image.

Plus prosaïquement peut-être, des œuvres invitent les regardeurs à porter des masques pour se protéger. En ce sens, les œuvres relaient les directives données par les exécutifs nationaux et le port du masque est certainement la contrainte la moins polémique.

 Il est vrai que la représentation d’un masque pour un Français évoque en premier lieu un « scandale d’État ». A l’heure où j’écris ce billet, à la fin de la quatrième semaine de confinement, les soignants des services hospitaliers, les médecins de ville, les personnels de santé en général, les hommes et les femmes qui travaillent et sont exposés au virus, ne disposent toujours pas de masques en nombre suffisant pour être une barrière efficace contre la transmission du virus.

Il en est tout autrement dans d’autres pays qui pouvaient dès le premier jour de la pandémie distribuer gel hydroalcoolique, masques à leur population et tests. Quoi qu’il en soit, le masque chirurgical, à tort ou à raison, est devenu en quelques semaines l’objet-fétiche pour faire barrage à la mort qui rôde.

La représentation du masque est étroitement associée à celle de l’infirmière et l’infirmière portant un masque devient une figure de la crise, une figure allégorique. Voilà quelques semaines l’infirmière était une icône érotique. Réputée nue sous sa blouse, elle a suscité maints fantasmes. Aujourd’hui, l’infirmière a acquis un statut comparable aux héros marveliens. Pourtant, d’autres « héros » étaient possibles, les chercheurs, les médecins urgentistes, les ambulanciers, les pompiers, les aides-soignantes etc. La modestie de la fonction de l’infirmière, de son salaire également, sa présence dans les luttes menées par les personnels de la fonction hospitalière, sa présence auprès des malades et de leurs familles, le tribut qu’elle paie à l’hécatombe, ont érigé au rang de héroïnes planétaires les infirmières.

Enfin et surtout, le port du masque est un sujet inépuisable d’humour. Les artistes ont affublé d’un masque chirurgical les statues antiques, les personnages emblématiques de la peinture classique, les hommes et les femmes politiques. Bref, plus l’image est une image-culte ou mieux, sacrée, plus l’effet comique est garanti. Humour potache diront certains grincheux, humour facile, mais en ces temps de malheur même l’esquisse d’un sourire est bonne à prendre.

Un point, en cette triste fin de quatrième semaine, s’impose. Confrontés à la même catastrophe, les artistes réagissent sensiblement de la même manière. D’abord, il faut rire de notre malheur, catharsis salutaire et quasi réactionnelle. Dans un second temps, émergent des figures symboliques : le masque qui à lui seul intègre différents aspects du drame est l’amulette qui protège du malheur.  Le modèle de l’infirmière reprend en partie la fonction du masque, elle officie à la survie, et figure dérivée de la mère, elle est celle, non seulement celle qui soigne, mais celle qui dans l’intimité de sa relation au patient console, « materne », parle au nom du « corps médical » à la famille.

Dans le drame qui se joue, drame dont nous sommes les victimes et les témoins, nous construisons des figures archétypiques pour endurer le malheur. Des objets assortis de fonctions quasi magiques pour nous protéger, des figures de héros pourvues de qualités telles qu’elles concourent à notre survie. Nos sociétés ne cessent de fabriquer de nouvelles mythologies, créations mentales collectives qui nous aident à supporter notre humaine condition. Les artistes en produisent des images.  


Chapitre 4. Coloriages.

La tragédie du coronavirus tourne autour de trois questions d’égale importance : comment échapper à ce virus malin et contagieux, comment se guérir du covid 19, comment tromper l’ennui du confinement. Je n’ai pas les réponses aux deux premières interrogations mais, modestement, je peux contribuer à occuper les enfants et pourquoi pas les Grands.

L’idée n’est pas mienne mais je la reprends à mon compte car, voyez-vous, je la trouve intelligente et susceptible d’éveiller les enfants confinés à l’art urbain. Trois street artistes ont diffusé sur Facebook des dessins originaux à colorier : Hopare, Alber et Jibé. Je les reproduis donc et ajoute des reproductions d’œuvres de ces street artistes qui pourront servir de modèle. Il est par conséquent conseillé d’imprimer les coloriages et un modèle en couleurs, histoire d’avoir la paix ne serait-ce qu’un moment.

Hopare a diffusé sur les réseaux sociaux des dessins originaux d’une grande beauté. Le style de sa peinture qui consiste à décomposer les grandes zones d’aplats en surfaces plus petites convient bien à l’exercice. Les supports offerts par Hopare peuvent être agrandis et être coloriés, soit avec des crayons de couleurs, des feutres, et pourquoi pas imprimés sur des feuilles de papier à dessin et peints. Enfants et parents peuvent tout d’abord « tuer » le temps et secondairement, par la pratique mieux cerner l’originalité du dessin d’Hopare.

Alber a diffusé sur les réseaux sociaux un puzzle destiné aux jeunes enfants. L’exercice n’est pas dénué d’intérêt. Il faut tout d’abord découper les morceaux du puzzle. Les enfants ont de grandes difficultés à bien tenir la paire de ciseaux et à effectuer un découpage précis selon une ligne. Des agrandissements faits avec une photocopieuse permettent de créer une gradation dans la difficulté. Recomposer le visage avec ou sans modèle est aussi un élément de complexification.

Alber a des points communs avec Hopare mais aussi de profondes différences. Tous deux décomposent les surfaces en surfaces plus petites mais Alber conserve des surfaces plus importantes pour les traiter en aplats de couleurs vives.

Si Hopare et Alber proposent des portraits, Jibé, lui, a réalisé pour l’occasion des dessins qui devraient séduire les jeunes enfants. Des petits bonshommes, drôles et joyeux dessinés dans des situations dynamiques, des formes qui font partie du répertoire plastique des enfants : la lune, des cœurs etc. Ces supports qui peuvent également être imprimés sur du papier à dessin peuvent devenir de jolies œuvres. Les dessins complexes de Jibé, peints en noir et blanc, sont du plus bel effet décoratif. Les supports plus simples peuvent donner lieu à un travail à la gouache.

Si Hopare et Alber proposent des portraits, Jibé, lui, a réalisé pour l’occasion des dessins qui devraient séduire les jeunes enfants. Des petits bonshommes, drôles et joyeux dessinés dans des situations dynamiques, des formes qui font partie du répertoire plastique des enfants : la lune, des cœurs etc. Ces supports qui peuvent également être imprimés sur du papier à dessin peuvent devenir de jolies œuvres. Les dessins complexes de Jibé, peints en noir et blanc, sont du plus bel effet décoratif. Les supports plus simples peuvent donner lieu à un travail à la gouache.

Je tiens à remercier Hopare, Alber et Jibé pour cette initiative. Initiative artistique et citoyenne qui ne soigne pas le virus mais emplit le cours de nos vies confinées en nous ouvrant au monde de l’art.


Chronique d’un confiné : Chapitre 3.

Paris, dixième jour de confinement.

Bizarre cette perception du temps ! Cela ne fait que 10 jours que les Français sont confinés. Quand je dis les Français, je veux parler des chanceux qui pour participer à la guerre contre le coronavirus bullent à la maison. Ceux qui comme moi ont le temps de ne rien faire, acheter le pain, sortir le chien, lire et « feuilleter » d’un œil gourmand les œuvres des street artistes sur Facebook.

 À ce propos, Facebook en moins de 10 jours a bien changé. Après la publication d’œuvres peintes avant le confinement, après la resucée des vieilleries, des artistes apportent tout leur talent à l’effort de guerre en publiant chaque jour une œuvre peinte en atelier.

Je souhaite consacrer ce papier aux dix premières œuvres de Philippe Hérard. Hérard depuis le premier jour du confinement peint sur un bout de carton une œuvre qui correspond à son état d’esprit. La série forme ainsi un journal en images (et quelles images !) d’un confiné. Si j’effectue aujourd’hui un arrêt sur image, cela ne signifie pas que la série est terminée ; elle durera (si je ne m’abuse !) le temps du confinement. Aussi, je vous invite, chers lecteurs et lectrices, à suivre chaque jour, les tribulations imaginaires, d’un artiste peintre, confiné dans son atelier mais libre dans sa tête (comme Diego !).

J’ai déjà consacré plusieurs papiers à Philippe Hérard que je tiens pour un des peintres français les plus attachants de ces 10 dernières années. Comment ne pas être ému par ses Gugusses dont j’ai raconté l’histoire dans ces colonnes. Plus qu’un personnage, Hérard a créé un monde et il nous en donne à voir des scènes. Des décors, des personnages, des objets (des chaises, des bouées, des canoés, des rames, des feux tricolores, des maisons en carton, des échelles, des boules etc.). Les Gugusses sont des bonhommes lunaires, faisant avec le plus sérieux du monde des choses absurdes.

D’aucuns ont comparé les œuvres d’Hérard à Mack Sennett. Bien sûr, des points communs existent. Mais les différences sont profondes. Tout d’abord, si Mack Sennett est un grand acteur comique et l’un des plus grands, les œuvres d’Hérard ne sont pas des sketches dont l’objectif est de nous faire pouffer de rire. Les situations que créent les Gugusses génèrent une émotion qui est faite d’empathie voire de pitié. Notre sourire, quand il nous échappe, est coupable : on ne rit pas des pauvres d’esprit, des idiots du village.

Philippe Hérard est le contraire d’un rigolo. Il met en scène avec une rare justesse et une douce pointe d’humour tendre des hurluberlus, ceux à qui il manque une case (voire plusieurs !).

A la « saga » des Gugusses maintenant achevée succède leur créateur en personne. Nous savions qu’il y avait du Hérard dans les Gugusses, confirmation, l’artiste ose affronter le regard des autres en jouant le rôle du Gugusse qu’il a créé. Dans ses productions récentes, nous retrouvons le Hérard-Gugusse et ses potes dans la suite de leurs aventures. Les décors sont sensiblement les mêmes. Quant aux objets, certains sont récurrents, d’autres ont été introduits plus récemment. Par association d’idées, la bouée objet fétiche des Gugusses, a amené le bateau. Le bateau, la rame.

Dans son « journal d’un confiné », Hérard-Gugusse en chef, représente ses états d’âme. D’abord, la peur. Ensuite et ce sera un fil rouge, l’enfermement. Quelques tentatives de fuite dans de grands espaces lumineux, pour un aller-retour dans la boite. La boite, le carton, la maison est un lieu clos. Ou presque. A peine peut-on y ouvrir une petite fenêtre.

Bien sûr nous nous retrouvons dans la « lecture » de son journal. Il nous parle de « l’humaine condition », de l’Homme confronté au Mal qui nous guette à l’extérieur de notre boite. Ces tableaux d’une âme tourmentée ne donnent pas dans le pathos. L’angoisse est là, viscérale, mais sa mise en images, sa représentation a des vertus cathartiques. Comme dans la « Psychanalyse des contes de fées » de Bruno Bettelheim. Sauf qu’Hérard ne nous montre pas le coronavirus et ses horreurs mais l’effet de la peur de la maladie sur un homme.

C’est, en quelque sorte, réconfortant de partager sa peur. Surtout, quand l’artiste ajoute à ses saynètes un peu de légèreté, « L’insoutenable légèreté de l’être ».